RitNit » tiempo

Eno Henze, Tscherenkows Traum

xaviera — Thu, 30 Jul 2009 02:24:39 +0000

Eno Henze

03 / 2009

Cerenkovs Dream.

Technological objet trouvé with 4 Led Panels, power adaptor and image processor.
Approx. 5 x 1 x 1 m.

Sponsors:

posicionamiento web

WHITEVOID Realtime 3D Airtraffic

xaviera — Sun, 05 Jul 2009 21:37:35 +0000

Las aerolíneas alemanas Lufthansa y Star Alliance se han asociado con la empresa de diseño Whitevoid Interactive Art & Design con sede en Berlín/Alemania para crear un simulador de una gran torre de control aéreo capaz de realizar el seguimiento de 16.000 vuelos en tiempo real.

El sistema que se compone de una pantalla panorámica de proyección de 14 metros y que cubre un ángulo de 180º, acompañada de un sistema de sonido espacial 3D de seis canales con el que se puede escuchar las conversaciones de radio del avión que esté monitorizando en ese momento. Un sofisticado sotfware permite a los usuarios moverse fácilmente entre una macrovisión del mundo y una micro vista de cada uno de los vuelos.

vía NEVA

James Turrell (Los Angeles, Estados Unidos, 1943)

xaviera — Thu, 26 Mar 2009 20:40:28 +0000

Sus estudios de pregrado en Pomona College estuvieron enfocados en la psicología y las matemáticas; más tarde, en la escuela de postgrado, estudió arte. Cursó un MFA en arte en Claremont Graduate School en Claremont, California. El trabajo de Turrell explora la luz y el espacio, habla al espectador sin palabras, e impacta al ojo, cuerpo, y mente con la fuerza de un despertar espiritual. “Quiero crear una atmósfera que pueda estar conscientemente conectada con la mirada,” dice el artista, “como el pensamiento sin palabras que viene al observar fuego” . Con estudios de psicología perceptual e ilusiones ópticas, el trabajo de Turrell nos permite “vernos viendo”. Ya sea atrapando la luz al atardecer o transformando el brillo de un set de televisión en un portal fluctuante, el arte de Turrel sitúa a los espectadores en un reino de pura experiencia. Cerca del Gran Cañón y el Desierto Pintado de Arizona se encuentra Roden Crater, un volcán extinto que el artista ha estado transformando en un observatorio celestial durante los últimos treinta años. Trabajando con fenómenos cosmológicos que han interesado al hombre desde los inicios de la civilización y han provocado respuestas tales como Stonehenge y el Calendario Maya, el cráter de Turrell trae los cielos a la tierra, enlazando las acciones de las personas con los movimientos de los planetas y las galaxias distantes. Su fascinación con el fenómeno de la luz está conectada a una búsqueda personal e intima del lugar del hombre en el universo. Influenciado por su fe cuáquera, que caracteriza teniendo una “sencilla y estricta presentación de lo sublime” el arte de Turrell provoca una mayor autoconciencia a través de una disciplina similar de contemplación silenciosa, paciencia y meditación. Sus instalaciones etéreas llevan las propiedades comunes de la luz a comunicar sentimientos de trascendencia y divinidad.

We have decided not to die

xaviera — Fri, 06 Mar 2009 19:01:18 +0000

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WE HAVE DECIDED NOT TO DIE

Hilary Berseth (Esculturas hechas por abejas, Estados Unidos)

xaviera — Mon, 23 Feb 2009 22:25:47 +0000

Los artistas, de Rodin a Warhol han externalizado la construcción de su obra. Hilary Berseth va más allá: Construye estructuras básicas de cable y cera, y después deja a equipos de abejas terminar el trabajo. “Sabía que eran ordenadas y reglamentadas”, dice el artista de Pennsylvania acerca de sus abejas de miel, que construyeron las tres maravillosas esculturas en exhibición en el Eleven Rivington.

“Tenía la intuición de que sería capaz de organizarlo arquitectónicamente.”

Los grupos de abejas de Berseth van cada uno en una caja cerrada en la primavera, y después las respectivas colonias se hacen cargo, haciendo su trabajo. “Las últimas dos temporadas, he estado trabajando con un apicultor que se llama Jim Bobb,” dice, explicando como logra la pericia.

Vía New York Magazine

Diller & Scofidio

xaviera — Tue, 17 Feb 2009 15:57:03 +0000

[youtube width="500" height="400"]http://www.youtube.com/watch?v=UpRt8VYzEIQ&feature=PlayList&p=B48DB5CC9899811E&playnext=1&index=32[/youtube]

El objetivo que los arquitectos se marcaron fue construir nada. Algo informe, sin peso, sin escala, sin rasgos, sin significado. Y el proceso de diseñar nada comenzó a arrojar desde sus primeros esbozos una masa con forma de nube suspendida sobre una superficie acuática. Sus autores rechazaron asociarlo a las certezas derivadas de su parecido con la imagen de algo conocido, prefiriendo imbuirlo de ambigüedad. No era un edificio nube, era un edificio difuso. Con ello, se afirmaba que la importancia de esta idea arquitectónica era su sustancia conceptual y no su entidad física.

Elizabeth Diller y Ricardo Scofidio comenzaron a trabajar juntos en 1979, un periodo de crisis económica que repercutió en dificultades para que los arquitectos pudieran construir y que a ellos les permitió concentrar su trabajo en diseñar performances e instalaciones que interactuaban con edificios, transformándolos y dotándolos, a través del despliegue de imágenes, objetos y signos, de significados alternativos.

Esto les ha conducido a concebir su actividad, su identidad intelectual y creativa, desde la complejidad que conlleva fusionar el ser arquitecto y el ser artista, aunando dos esferas que a menudo los arquitectos asumen que no es posible equilibrar en una misma dimensión. Artistas / arquitectos la trayectoria desarrollada por Diller y Scofidio -asociados a Charles Renfro desde 2004- abarca edificios, planificación urbana, arte público, obras artísticas, teatro y danza experimental, libros y proyectos en internet.

La obra de Diller Scofidio + Renfro surge de una investigación teórica no dogmática, abierta desde una perspectiva poética y radical a las nuevas tecnologías como signo y elemento creador de modos de percepción e interpretación. La experimentación aferrada a los planteamientos de lo artístico ha llevado a este equipo a desarrollar una forma de pensamiento liberado de las convenciones que rigen la idea de lo que constituye lo arquitectónico. Tratar de descubrir, desvelar, las posibilidades de que la arquitectura genere experiencias que trasciendan los estados de vivencia conocidos.

Blur Building fue la realización de una imagen existente, pero nunca antes -que se recuerde- construida. La imaginación humana ha concebido arquitecturas fantásticas, cuya materialidad etérea era el factor que simbolizaba su naturaleza mágica. Diller, Scofidio + Renfro no concibieron su edificio inspirados por esa concepción de sublimidad, sino con el propósito de desafiar al principio básico de la arquitectura: su materialidad. Construyeron una gran estructura ligera -basada en un diseño de 1950 por el ingeniero visionario R. Buckminster Fuller- que quedaba envuelta por una neblina creada por agua bombeada desde el lago, filtrada y dispersada por 31.500 pulverizadores de alta presión. El «no-edificio» -como lo definieron sus autores y que fue el pabellón principal de Expo 0.2.- podía acoger a 400 individuos, para quienes, una vez se adentraban en la masa de niebla, desaparecía progresivamente cualquier referencia visual o acústica, quedando envueltos por la difusa materia permanentemente blanca y el sonido monótono de los pulverizadores.

Lo efímero de esta construcción se transforma en un factor secundario, dada la fuerza de lo creado. La naturaleza de la idea de la que emergió Blur Building y la sofisticada inteligencia con que se resolvió, mediante un sistema básico, su construcción marcaron un punto de reflexión crucial sobre los potenciales de la arquitectura y la pregunta de hacia dónde puede derivar y cómo podrá transformarse su sustancia. A diferencia de otros, que sostienen que la arquitectura devendrá progresivamente un ente mutante y transformable y que esto será resultado del efecto de la evolución de las tecnologías, Diller Scofidio + Renfro evidenciaron con este edificio que cualquier cambio procederá de la intensidad mental y sensorial con que seamos capaces de plantear la realidad.

[youtube width="500" height="400"]http://www.youtube.com/watch?v=0WT5Lu1MKYs[/youtube]

Para la Bienal de Liverpool, Diller & Scofidio + Renfro presentaron esta instalación de arboles danzarines.

La instalación consiste en 17 arboles dispuestos en un solar anteriormente abandonado. Algunos árboles estan provistos de un sistema eléctrico y lentamente comienzan a girar.

Las sombras se mueven a una velocidad artificial, transformando los patrones que podemos ver en la naturaleza, y esto supone la reinvención de un parque convencional en el que ahora los arboles se mueven alrededor de las personas.

En vez de girar tu alrededor de los árboles, ellos giran a tu alrededor…

[youtube width="500" height="400"]http://www.youtube.com/watch?v=eOYg4l55yMk[/youtube]

Vía Arquinoias, y ABC

Hiroshi Sugimoto (Tokyo, Japón, 1948, Vive y trabaja en Nueva York)

xaviera — Thu, 12 Feb 2009 22:04:41 +0000

Hiroshi Sugimoto se interesó tempranamente en el arte. La lectura de los escritos de André Breton lo llevó al descubrimiento del Surrealismo, el Dada y a una gran conexión con el trabajo y filosofía de Marcel Duchamp. La idea central en el trabajo de Sugimoto es que la fotografía es una máquina de tiempo, un método de preservar y ponerle imágenes a la memoria y a la temporalidad. Este tema es el principio que define series tales como “Dioramas” (1976-); “Theaters” (1978-); y “Seascapes” (1980-). Sugimoto ve con el ojo de un escultor, pintor, arquitecto y filósofo. Usa su cámara de múltiples maneras para crear imágenes que parecen llegar a la esencia de sus sujetos, sean arquitectónicos, escultóricos, pictóricos o naturales. Le da un enorme valor a la manualidad, imprimiendo sus fotografías con meticulosidad y un entendimiento real de los matices de la realización de copias en gelatina de plata y su potencial de riqueza tonal en su infinita palera de negros, blancos y grises.

Cesar Gabler en Galería Gabriela Mistral

xaviera — Fri, 25 Jul 2008 22:59:57 +0000

Fuera de Aquí

Proyecto gráfico y pictórico que se desarrolla a partir de una doble mirada a lo moderno y si se quiere a lo histórico. Doble porque aborda visualmente dos formas de enfrentar la incertidumbre de la vida contemporánea: la evasión y la huída. En Sala 1 se presenta una evasión alucinatoria con la serie Paraísos artificiales y en Sala 2 se suma a esta alucinación un escape real, escape comunitario que se presenta bajo los signos más diversos: ideológicos o religiosos, con la serie Fuera de Aquí.

Inauguración
29 de julio 2008, 19:30 h.
Galería Gabriela Mistral
Alameda 1381 (metro moneda)

Duración
29 julio – 5 septiembre 2008

Horario
Lunes a viernes 10 a 19 h. / Sábados cita previa.

Lanzamiento de catálogo y Encuentro con el artista
Martes 19 agosto, 19 h.
Galería Gabriela Mistral

Andy Goldsworthy (Cheshire, Inglaterra, 1956)

xaviera — Mon, 07 Jul 2008 20:09:48 +0000

“And that’s what art’s about, isn’t it? …
It makes you see things in a different way
than you would normally.”

A diferencia de la primera generación de artistas del Land-Art, como Michael Heizer o Walter De Maria, las esculturas de Andy Goldsworthy no constituyen ningún tipo de agresión contra el paisaje. Se trata de intervenciones mínimas, realizadas con materiales encontrados en el entorno natural, manipulados con acciones simples y el cuerpo del propio artista (fuerza, pies, manos, dientes, etc). La actividad escultórica de Goldsworthy tiene bastante que ver con cierta cotidianeidad nostálgica pre-industrial, a partir de paseos, encuentros y sutiles transformaciones de un entorno natural apenas manipulado.

Texto de “El Blog del Guerrero”

David Hockney (Bradford, Inglaterra, 1937)

xaviera — Wed, 30 Jan 2008 01:20:43 +0000

David Hockney