Ya he mencionado a Olafur Eliasson en otra entrada.

The New York City Waterfalls es una de sus obras recientes,  y estuvo desde 26 de Junio hasta el 13 de Octubre de este año en Nueva York.

«Entiendo la imagen necesaria.
No entiendo la fotografía.

Instrucciones:

La idea es todo.
La imagen existe en relación a la idea.

La belleza es inútil.
Es infinitamente deseada y completamente inútil.
Cuando sea necesario – explote la belleza – para darle a la imagen lo que es necesario.

La composición es una estupidez.
Cuando sea necesario– explote la composición – para atrapar la mirada del espetador en la idea.

La imagen debe vivir.
Debe haber vida más allá de las problemáticas de la imagen en sí misma.

La imagen más inspiradora que se ha hecho es la de Nauman en su fracaso intentando levitar en el estudio. Todo tiene que ver con con la paradoja crucial de la intención del artista. Esto revela que el inherente fracaso de todas las imágenes es esencial al proceso y que las imágenes que resultan de este nunca completan la idea necesaria.

~ Rosemarie Laing.

“And that’s what art’s about, isn’t it? …
It makes you see things in a different way
than you would normally.”

A diferencia de la primera generación de artistas del Land-Art, como Michael Heizer o Walter De Maria, las esculturas de Andy Goldsworthy no constituyen ningún tipo de agresión contra el paisaje. Se trata de intervenciones mínimas, realizadas con materiales encontrados en el entorno natural,  manipulados con acciones simples y el cuerpo del propio artista (fuerza, pies, manos, dientes, etc). La actividad escultórica de Goldsworthy tiene bastante que ver con cierta cotidianeidad nostálgica pre-industrial, a partir de paseos, encuentros y sutiles transformaciones de un entorno natural apenas manipulado.

Texto de “El Blog del Guerrero” 

Matthew Barney inventa un universo poblado de criaturas oníricas, drag queens y sátiros…Experto en hibridación, explora las variedades infinitas que se le ofrecen desde que decide sobrepasar los generos humano/animal, femenino/masculino. Ex modelo a fines de los 80, Barney comienza por exhibir su cuerpo desnudo, o vestido con un traje de baño blanco al estilo hollywood. Ex deportista de alto rendimiento, realiza también performaces seudo-deportivas (carrera de obstáculos con ropa larga). Deportivo transvestido, Barney es la imagen ideal del androgeno de fin de siglo. En 1992, el hombre moderno se vuelve ” post humano” y el artista hace una remarcable aparición en una exposición del mismo nombre. El año siguente, en la bienal de Venecia, recibe un premio por “Drawing restraint 7″, un video en donde unos sátiros simulan una violación en la parte de atrás de una limusina. Narciso ambiguo, comienza ese mismo año su serie de películas “Cremaster”: delirios transexuales, búsqueda de una identidad sexuada, Barney crea el híbrido a su imagen y semejanza.

Olafur Eliasson trabaja con la naturaleza, se inspira directamente en ella pero se desenmarca a la vez del land art, porque dice que es una especie de colonización de la naturaleza por el hombre. A la inversa, pone el acento sobre la relación que cada uno mantiene con la natiraleza y utiliza la potencia del paisaje islandés: sus instalaciones (o fotografías) hechas de humedad, de niebla, de plantas, de agua en todos sus estados, apuntan a permitirle al espectador una suerte de autorretrato a través de la experiencia activa de la obra. La inmaterialidad de sus espacios está reforzada por el trabajo con la luz, tomado directamente de los trabajos estroboscópicos de Harold Edgerton. El carácter efímero de sus obras sólo adquiere sentido a partir de la posición del espectador, que reacciona a partir de referentes personales ante la deliberada ausencia de símbolos explícitos y de sentido determinado. El artista afirma de hecho que podría no trabajar con la naturaleza pero con la música. Algo que tiene que ver con el método más que con lo material: Olafur Eliasson pregunta acerca de las condiciones de la subjetividad.