Cuando Marina Abramovic y Su compañero Ulay llegaron a la población China de Er Lang Shan, el 27 de Junio de 1988, habían recorrido 2000 kilómetros (toda la longitud de la Gran Muralla China) en 90 días para llegar a esta cita en el fin del mundo. Éste fue su último trabajo conjunto como pareja artística. Con esta performance titulada “The Lovers” (Los Amantes), Abramovic y Ulay transformaron la experiencia personal  de haber llegado al final de su camino juntos en un simple acto representado en un lugar geográfico concreto. Caminaron uno hacia el otro desde los extremos opuestos de la Gran Muralla para después volver a separarse…para siempre. Esta puesta en escena de una geometría del amor hizo que la dolorosa separación de sus biografías individuales pareciera el inevitable resultado de las leyes de la vida.

Abramovic y Ulay habían colaborado desde 1976 en trabajos que convertían su relación simbólica en la base de experiencias existenciales.

Bronce, cera o silicona, cualquier material es factible de ser modelado por Kiki Smith para representar diferentes aspectos de la anatomía humana, así como enormes figuras de cuerpo entero, con las que la artista lleva más de veinticinco años trabajando. En los últimos tiempos, su universo plástico se ha enriquecido con nuevas vías de investigación que han complementado las formas humanas con aspectos subjetivos relacionados con la religión, el folclore, la mitología, la naturaleza, el feminismo o incluso la historia del arte, de la que ella constituye ya una figura destacada.

Takato Yamamoto 1 2 3

Ron Mueck llegó a ser artista por accidente. Comenzó su carrera durante los 70 y 80 haciendo efectos especiales para publicidad y cine. A pesar de que sus trabajos eran extremadamente detallados y minuciosos, estaban diseñados para ser vistos sólo desde un punto de vista, que sería fotografiado o filmado.
Mueck quería hacer piezas que se pudieran recorrer, que fueran perfectas desde cualquier ángulo.
Las esculturas de Mueck reproducen fielmente los detalles del cuerpo humano, pero juega con la escala para crear imágenes que impactan.
Mueck afirma que con su trabajo,lo que más le interesa es “captar la vida interior”.

Una de las artistas más representativas del panorama artístico internacional, Mona Hatoum, encarna en su biografía las constantes que marcan la traumática experiencia del exilio: el desplazamiento y la destrucción de la idea tradicional que tenemos del “hogar”. Aunque palestina, nace en Beirut, ciudad a la que tuvieron que emigrar sus padres en 1948 abandonando Haifa y a la que, posteriormente, ella misma no puede regresar cuando, de viaje en Londres, estalla en 1975 la guerra civil libanesa. Tras unos primeros años en la Byam Shaw School of Art, pasa a la Slade School of Art, también en Londres, donde estudia con Stuart Brisley, una de sus primeras influencias, a comienzos de los años 80, cuando empieza a realizar performances y vídeo.
Tras un primer tiempo de experimentación formal en el que establece la que sería una relación duradera con el Minimalismo, su paso por la Slade la politiza llevándola a un terreno más conceptual en el que primaría su preocupación por el funcionamiento de las estructuras de poder. Es en este contexto en el que lleva a cabo la mayoría de sus performances cargadas a menudo de un denso contenido político. En un segundo momento, pero también dentro de esta primera etapa en la que su trabajo aparece marcado por acciones temporales, tiene lugar la elaboración de vídeos, entre los que nos encontramos con obras tan significativas como Measures of Distance (1988), que trata temas como la representación de estereotipos femeninos o las relaciones materno-filiales, dentro, eso sí, de un encuadre marcado por el sentimiento de pérdida y desorientación que trae consigo el exilio y la comunicación en el desplazamiento.
Su trabajo en los años 90 ha evolucionado hacia obras menos narrativas que permiten, por tanto, un mayor nivel asociativo. A través de las esculturas y las instalaciones, Hatoum realiza obras que parecen hacer referencia al Minimalismo, aunque tan sólo desde un punto de vista puramente formal y de utilización de materiales. En ellas hay una continua negociación con el cuerpo del espectador, al que implica física y emocionalmente en un espacio del que paradójicamente el cuerpo humano permanece ausente y que él/ella con su presencia está llamado a sustituir. Sus instalaciones nos trasladan, a menudo, a un espacio de fantasía en el que, como sucede en Corps étranger (1994), nos enfrentamos al poder metafórico del cuerpo en general a través de conceptos como lo público y lo privado en la imagen del cuerpo femenino.
En los últimos años, la ambivalencia simbólica que otorga a los objetos cotidianos ha ido tomando cada vez más peso en sus instalaciones. Todo aquello que en teoría nos resultaba conocido y acogedor, se metamorfosea en algo remoto y, a menudo, espeluznante. El “hogar”, en las obras de Hatoum, ya no puede proporcionarnos esa sensación de sosiego y refugio con el que antes lo asociábamos. Las alteraciones introducidas por la artista rompen constantemente esas expectativas. Ya sólo nos queda un espacio inquietante en el que pensar una nueva definición de “hogar”.

Yayoi Kusama ha experimentado alucinaciones y pensamientos obsesivos de naturaleza suicida, desde su niñez.
Ella dice que desde muy pequeña sufrió de severos abusos físicos de su madre.

Muy temprano en su carrera comenzó a cubrir superficies (muros, telas, objetos de uso cotidiano y cuerpos) con los puntos que ya se han convertido en una especie de marca registrada de su trabajo. Sus vastos espacios de puntos o “redes infinitas” como ella los llama vienen directamente de sus alucinaciones.

Su trabajo comparte ciertos atributos con el feminismo, el minimal, el pop y el expresionismo abstracto, pero ella simplemente se describe como una artista obsesiva. Su trabajo está impregnado de contenido autobiográfico, psicológico y sexual, e incluye pinturas, esculturas blandas, performance e instalaciones.

Kusama también ha escrito novelas y poemas, ha hecho películas y diseño de vestuario.

Hoy, ella vive, por opción propia, en un hospital para enfermos mentales en Tokyo, donde ha continuado produciendo desde mediados de los 70.

Su taller queda cerca del hospital.

“Si no hubiese hecho arte, me hubiera suicidado hace mucho tiempo”

Un día estaba mirando los patrones de flores rojas del mantel de la mesa, y al mirar hacia arriba noté que el mismo patrón cubría el techo, las ventanas y los muros, toda la habitación, mi cuerpo y el universo. Sentí como si comenzara a auto-anularme, a mezclarme con el infinito del tiempo y el absoluto del espacio, reducida a la nada. Cuando me di cuenta que esto estaba realmente sucediendo y no se trataba solamente de mi imaginación, quedé aterrada. Supe que debía correr sino la ola de flores rojas me mataría. Subí desesperadamente las escaleras. Los peldaños comenzaron a desplomarse, me caí y me torcí el tobillo”

Desde 1993 que Izima Kaoru crea escenas de sofisticada violencia.”Landscapes with a Corpse” o “Paisajes con un cadáver” es el título de este proyecto, para el que hizo a actrices y modelos famosas revelar su fantasía acerca de una muerte ideal.

La primera pregunta: ¿Con ropa de qué diseñador te gustaría estar vestida si murieras?

Las fotos, planos generales y primeros planos, muestran las escenas de los crímenes (o de las muertes naturales), no como algo fatal e irreversible, sino como una especie de ceremonia muy elegante e hiper estetizada.