Entrevista

Art 21

Texto

HABITABILIDAD
Se designa la exposición de Yennyferth Becerra como “Habitabilidad” mediante el verbo, es decir, la acción que alude a un lugar que puede habitarse. En este caso la sala de exposición es homologable al espacio que habita temporalmente el artista.
Becerra desarrolla operaciones constructivas que guardan relación con el símil de la vivienda. La obra como vivienda ahora significa la prospección del lugar de exposición. Más allá de la literalidad son sus referencias simbólicas, de ahí que el texto del artista arma una línea de horizonte que enuncia “yo no tengo mar”, que la artista reitera en el soporte con el que carga los materiales de procedencia.Con ello quiero indicar el fondo de obra de Becerra el cual, parte de sus procedimientos constructivos tienen que ver con operaciones de recolección e intercambio. Aquí la ropaarma una especie de muro de contención de emergencia similar a los sitemas para evitar las inundaciones ropa que ha sido utilizada en obras anteriores con otras connotaciones como en “se cambia para llenar vacíos”, con la que reproduce condiciones de cobijo mínimo de habitabilidad según los lugares en quue expone.
También el procedimiento de obra de Yennyferth Becerra es homologable al del etnógrafo que se interroga sobre el lugar. La frágil línea de horizonte guarda relación con als condiciones del hábitat en el que se desarrolla la vida, aludiendo a un elemento de identidad local: la amezaza de la pérdida de visibilidad del mar en la “ciudad anfiteatro”, es decir, entre otras significaciones interroga sobre las edificaciones que en la actualidad se desarrollan en el borde costero.
En el espacio de exhibición, lo anterior remite a cómo se ocupa éste en tanto real o figurado, mediante actividades que refieren operaciones constructivas y materiales de obra, realizando modificaciones del lugar de exposición en términos de presencia y ausencia de elementos que se asocian al exetrior, a esa especie de inconsciente de pérdida de la ciudad la pieza que falta.
El lugar también remite a la hogaridad, real e imaginaria, a modo de ejemplo, en otra escala recuerda una obra anterior que citaba la naturaleza muerta o, más bien, lo hogareño como definiciones de Georges Perec.
Otro artista, Jurgen Partenheimer, escribió sobre el lugar bien o mal iluminado siguiendo la metáfora foucoultiana que se ocupa para desarrollar una obra. En Becerra ello se metaforiza en la sucesión de un sistema de iluminación precario que en la cablería recuerda la filigrana de su obra precedente, la que ahora es citada en la simunlación de un dibujo con la que replica de partes de las columnas del espacio de exhibición desmontando también la memoria de su obra.
Alberto Madrid

Galería Puntángeles, O’Higgins 1270. Plaza Cívica. Valparaíso.

Cai Guo-Qiang

Memoria de Joseph Beuys

por

Juan Yanes

Hacer que la gente sea libre es la finalidad del arte,

por lo tanto, para mí, el arte es la ciencia de la libertad.

Joseph Beuys

Recuerdo la tarde que vi, por primera vez, una escultura de Joseph Beuys. Estaba tirado en Madrid, más sólo que la una. Creo que era el invierno de 1993. Tenía una reunión al día siguiente en un local de la Calle Príncipe, cerca de la Plaza de Santa Ana, así que me dejé caer por la pendiente de Atocha hasta el Museo Español de Arte Contemporáneo (ahora creo que lo llaman de otra manera, que no recuerdo). Allí estaba la exposición. Fue como si hubiera recibido un golpe, sentí una conmoción, un puñetazo en la cara. He visto cientos de exposiciones desde entonces, ninguna tan sobrecogedora.

Jaula con sedimento; Estratificado en el tiempo; Objeto que irradia; ¡Esto es Heráclito!; Escultura de vapor; Constelar trabajos, objetos, materias, vestigios, restos, sustancias, evidencias, misterios, creaciones; Denominador conceptual común; La vitrina como espacio del mundo imaginativo; Transformación alquimista, movilidad de la sangre, la sangre menstrual, nacimiento y encarnación; Conductores de energía = llamamiento a la acción; El arte dentro de la sociedad, la sociedad dentro del arte; La casa, el vestido como símbolo de aislamiento y a la vez de comunicación; Espacio básico; Configuración plástica; Razón e intuición; Gengiskan, mediador entre culturas y pueblos (el correo); Unir territorial y espiritualmente; Antena y toma de tierra; La esfera térmica de la creatividad = nuevo concepto del dinero y de la circulación de valores económicos; Dimensión ontológica; Aislamiento, anticomunicación, concierto sin sonido; Frontera en la que todo se mueva hacia un punto crítico; Orogénesis; Gramófono mudo; Sonidos corporales.

vía Máquina de coser palabras 

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Exonemo, el duo Japonés formado por Sembo Kensuke y Yae Akaiwa, ha desarrollado numerosos trabajos experimentales en torno al procesamiento de video y sonido, programación de software,  fabricación de circuitos de hardware, instalaciones y performances en vivo. Con proyectos que van siempre más allá, exonemo sigue borrando las fronteras entre las disciplinas y si les preguntas si son diseñadores, programadores, artistas visuales o de medios, te darás cuenta de que a ellos realmente no les importa.

Vía We Make Money Not Art 

Bienal de Venecia 2007

Pabellón Coreano en el giardini -
‘The homo species’ es la primera muestra individual de Hyungkoo Lee. Nacido y criado en Corea, Lee experimentó el ‘complejo de pequeñez del hombre asiático’ mientras estaba estudiando en Estados Unidos. Un hombre asiático habiendo internalizado la noción de superioridad masculina está condenado a la frustración cuando se enfrenta cara a cara con su contraparte caucásica “más grande y más fuerte”. Lee comenzó a crear ‘the objectuals series’ en 1999 con materiales humildes tales como botellas de agua y vasos para hacer crecer visualmente partes de su cuerpo.

Hyunkoo Lee extiende sus preocupaciones a cuerpos ficticios de personajes animados inventando sus huesos fosilizados de una manera cuasi arqueológica.

Vía Designboom

La impresión de impersonalidad y de objetividad son los motores principales del trabajo de Daniel Buren . Su obra se caracteriza por el empleo sistemático del mismo material: bandas verticales de tela o papel, de 8,7 cm de ancho, que aplica sobre soporte o deja libre. Utiliza estas bandas como “herramienta visual”, intentando subrayar una característica del espacio o una contradicción ideológica. Trabaja “in situ” y al final de sus presentaciones el material se destruye.

Columnas de Buren, Palais-Royal, París, Francia (N 48°51′-E 2°21′).

En 1986, Daniel Buren realizó una escultura de 3.000 m² en el patio de honor del Palais-Royal. Las «columnas de Buren» dieron origen a una violenta polémica sobre la integración del arte contemporáneo en el patrimonio histórico. Considerado durante mucho tiempo como el corazón de París, el Palais-Royal fue construido en 1635 por el arquitecto Jacques Lemercier, a iniciativa del cardenal Richelieu, para expresar la creciente centralización del poder real. Del edificio original —llamado entonces Palais-Cardinal (palacio del Cardenal)— sólo queda la «galerie des Proues». La parte fundamental de la actual edificación se remonta a la Restauración. La arquitectura del Palais-Royal, reformada en varias ocasiones, resume varios siglos de historia del arte. Los numerosos dignatarios que lo ocuparon en el curso del tiempo dejaron en su mayoría alguna huella estética que materializaba su poder político. Así pues, al confiar a Daniel Buren el acondicionamiento del patio de honor del Palais-Royal, el ministro de Cultura francés se inscribía, de hecho, en una antigua tradición política y arquitectónica. A unos pasos de aquí, François Mitterrand hizo algo parecido con la pirámide de Pei del patio del Louvre.

En un permanente intercambio de preguntas y respuestas acerca de qué es la escultura y cómo está constituida, Erwin Wurm ha trabajado por más de 25 años en un cuerpo de trabajo de muchas capas y que puede ser comprendido como un estudio de larga duración de la escultura como concepto. Para Wurm, cualquier cosa puede convertirse en escultura: acciones, instrucciones escritas o habladas, y un pensamiento. Su arte en general considera elementales y banales las necesidades y acciones de la vida, y es así como su perversión puede ser expresada a través de las deformaciones físicas. El artista explora problemáticas tales como la locura por la delgadez , la obesidad, la moda, la publicidad la cultura del consumismo.