Entrevista

Art 21

Texto

HABITABILIDAD
Se designa la exposición de Yennyferth Becerra como “Habitabilidad” mediante el verbo, es decir, la acción que alude a un lugar que puede habitarse. En este caso la sala de exposición es homologable al espacio que habita temporalmente el artista.
Becerra desarrolla operaciones constructivas que guardan relación con el símil de la vivienda. La obra como vivienda ahora significa la prospección del lugar de exposición. Más allá de la literalidad son sus referencias simbólicas, de ahí que el texto del artista arma una línea de horizonte que enuncia “yo no tengo mar”, que la artista reitera en el soporte con el que carga los materiales de procedencia.Con ello quiero indicar el fondo de obra de Becerra el cual, parte de sus procedimientos constructivos tienen que ver con operaciones de recolección e intercambio. Aquí la ropaarma una especie de muro de contención de emergencia similar a los sitemas para evitar las inundaciones ropa que ha sido utilizada en obras anteriores con otras connotaciones como en “se cambia para llenar vacíos”, con la que reproduce condiciones de cobijo mínimo de habitabilidad según los lugares en quue expone.
También el procedimiento de obra de Yennyferth Becerra es homologable al del etnógrafo que se interroga sobre el lugar. La frágil línea de horizonte guarda relación con als condiciones del hábitat en el que se desarrolla la vida, aludiendo a un elemento de identidad local: la amezaza de la pérdida de visibilidad del mar en la “ciudad anfiteatro”, es decir, entre otras significaciones interroga sobre las edificaciones que en la actualidad se desarrollan en el borde costero.
En el espacio de exhibición, lo anterior remite a cómo se ocupa éste en tanto real o figurado, mediante actividades que refieren operaciones constructivas y materiales de obra, realizando modificaciones del lugar de exposición en términos de presencia y ausencia de elementos que se asocian al exetrior, a esa especie de inconsciente de pérdida de la ciudad la pieza que falta.
El lugar también remite a la hogaridad, real e imaginaria, a modo de ejemplo, en otra escala recuerda una obra anterior que citaba la naturaleza muerta o, más bien, lo hogareño como definiciones de Georges Perec.
Otro artista, Jurgen Partenheimer, escribió sobre el lugar bien o mal iluminado siguiendo la metáfora foucoultiana que se ocupa para desarrollar una obra. En Becerra ello se metaforiza en la sucesión de un sistema de iluminación precario que en la cablería recuerda la filigrana de su obra precedente, la que ahora es citada en la simunlación de un dibujo con la que replica de partes de las columnas del espacio de exhibición desmontando también la memoria de su obra.
Alberto Madrid

Galería Puntángeles, O’Higgins 1270. Plaza Cívica. Valparaíso.

Kara Walker es conocida por su investigación en torno a la cruda relación entre raza,  género y sexualidad, representada con siluetas a tamaño real, aludiendo a la brutal y en ocasiones reprimida historia de las relaciones raciales americanas.

Memoria de Joseph Beuys

por

Juan Yanes

Hacer que la gente sea libre es la finalidad del arte,

por lo tanto, para mí, el arte es la ciencia de la libertad.

Joseph Beuys

Recuerdo la tarde que vi, por primera vez, una escultura de Joseph Beuys. Estaba tirado en Madrid, más sólo que la una. Creo que era el invierno de 1993. Tenía una reunión al día siguiente en un local de la Calle Príncipe, cerca de la Plaza de Santa Ana, así que me dejé caer por la pendiente de Atocha hasta el Museo Español de Arte Contemporáneo (ahora creo que lo llaman de otra manera, que no recuerdo). Allí estaba la exposición. Fue como si hubiera recibido un golpe, sentí una conmoción, un puñetazo en la cara. He visto cientos de exposiciones desde entonces, ninguna tan sobrecogedora.

Jaula con sedimento; Estratificado en el tiempo; Objeto que irradia; ¡Esto es Heráclito!; Escultura de vapor; Constelar trabajos, objetos, materias, vestigios, restos, sustancias, evidencias, misterios, creaciones; Denominador conceptual común; La vitrina como espacio del mundo imaginativo; Transformación alquimista, movilidad de la sangre, la sangre menstrual, nacimiento y encarnación; Conductores de energía = llamamiento a la acción; El arte dentro de la sociedad, la sociedad dentro del arte; La casa, el vestido como símbolo de aislamiento y a la vez de comunicación; Espacio básico; Configuración plástica; Razón e intuición; Gengiskan, mediador entre culturas y pueblos (el correo); Unir territorial y espiritualmente; Antena y toma de tierra; La esfera térmica de la creatividad = nuevo concepto del dinero y de la circulación de valores económicos; Dimensión ontológica; Aislamiento, anticomunicación, concierto sin sonido; Frontera en la que todo se mueva hacia un punto crítico; Orogénesis; Gramófono mudo; Sonidos corporales.

vía Máquina de coser palabras 

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“Mi trabajo actual, Los proyectos Rosado y Azul son los tópicos de mi tesis. Este proyecto explora las tendencias en las preferencias culturales y las diferencias en los gustos de los niños (y sus padres) de diversas culturas y grupos étnicos,así como socialización de género e identidad. Este trabajo también problematiza otros temas, tales como la relación entre género y consumismo, la urbanización, la globalización del consumismo y el nuevo capitalismo.”

JeongMee Yoon 

Bienal de Venecia 2007

Pabellón Coreano en el giardini -
‘The homo species’ es la primera muestra individual de Hyungkoo Lee. Nacido y criado en Corea, Lee experimentó el ‘complejo de pequeñez del hombre asiático’ mientras estaba estudiando en Estados Unidos. Un hombre asiático habiendo internalizado la noción de superioridad masculina está condenado a la frustración cuando se enfrenta cara a cara con su contraparte caucásica “más grande y más fuerte”. Lee comenzó a crear ‘the objectuals series’ en 1999 con materiales humildes tales como botellas de agua y vasos para hacer crecer visualmente partes de su cuerpo.

Hyunkoo Lee extiende sus preocupaciones a cuerpos ficticios de personajes animados inventando sus huesos fosilizados de una manera cuasi arqueológica.

Vía Designboom

En un permanente intercambio de preguntas y respuestas acerca de qué es la escultura y cómo está constituida, Erwin Wurm ha trabajado por más de 25 años en un cuerpo de trabajo de muchas capas y que puede ser comprendido como un estudio de larga duración de la escultura como concepto. Para Wurm, cualquier cosa puede convertirse en escultura: acciones, instrucciones escritas o habladas, y un pensamiento. Su arte en general considera elementales y banales las necesidades y acciones de la vida, y es así como su perversión puede ser expresada a través de las deformaciones físicas. El artista explora problemáticas tales como la locura por la delgadez , la obesidad, la moda, la publicidad la cultura del consumismo.

Cuando Marina Abramovic y Su compañero Ulay llegaron a la población China de Er Lang Shan, el 27 de Junio de 1988, habían recorrido 2000 kilómetros (toda la longitud de la Gran Muralla China) en 90 días para llegar a esta cita en el fin del mundo. Éste fue su último trabajo conjunto como pareja artística. Con esta performance titulada “The Lovers” (Los Amantes), Abramovic y Ulay transformaron la experiencia personal  de haber llegado al final de su camino juntos en un simple acto representado en un lugar geográfico concreto. Caminaron uno hacia el otro desde los extremos opuestos de la Gran Muralla para después volver a separarse…para siempre. Esta puesta en escena de una geometría del amor hizo que la dolorosa separación de sus biografías individuales pareciera el inevitable resultado de las leyes de la vida.

Abramovic y Ulay habían colaborado desde 1976 en trabajos que convertían su relación simbólica en la base de experiencias existenciales.