Gordon Matta-Clark nació en la ciudad de Nueva York en Marzo de 1943 y murió en 1978. Era hijo de Roberto Matta. Formado como Arquitecto, Matta-Clark extendió sus investigaciones deconstructivistas de la arquitectura y el espacio hacia la performance, el dibujo, la escultura, la fotografía, el video y el film.

Los Artistas Christo y Jeanne-Claude nacieron ambos a la misma hora el 13 de Junio de 1935, él en Gabrovo, Bulgaria como Christo Javacheff y ella en Casablanca, Marruecos como Jeanne-Claude Denat de Guillebon. Christo estudió el la Fine Arts Academy de Sofia entre 1953-56 y escapó de Praga al Este a principios de 1957. Jeanne-Claude fue educada en Francia y Suiza, y obtuvo grados académicos en filosofía y Latin de la University of Tunis. Se conocieron en Paris en 1958 cuando le encargaron a Christo un retrato de la madre de Jeanne-Claude. En 1964, ellos y su hijo a Cyril (hoy un connotado poeta, nacido en 1960) se mudaron a la ciudad de New York City, donde desde entonces viven y trabajan.

“Los trabajos temporales, ambientales y de gran escala (tanto rurales como urbanos) tienen elementos provenientes de la pintura, escultura, arquitectura y planificación urbana.
Surrounded Islands o Islas Rodeadas, Biscayne Bay, Greater Miami, Florida,1980-83. podría ser visto como enormes pinturas planas (lienzos con formas).
The Pont Neuf Wrapped o El Pont Neuf Envuelto , Paris, 1975-85. podría ser visto como una enorme escultura, en el sentido tradicional de drapeados y pliegues, sin embargo el puente, envuelto, remite necesariamente a un puente, y en ese sentido a una pieza de arquitectura. Los autos pasaban sobre el , los barcos por debajo, y el público cruzaba el puente, caminando sobre la tela.
The Umbrellas, o Los Paraguas Japan-USA, 1984-91. tiene que ver con planificación urbana. 3,100 paraguas, cada uno de dos pisos de alto, 59.3 metros cuadrados, deplegados en un radio total de 49 Km. en un ancho de 4 Km. a lo largo de calles y carreteras, adaycentes a establos, templos, iglesias, estaciones de servicio, colegios, habitaciones y ganado. Una vez que el proyecto de arte ha sido entendido como lo que realmente es, entonces el proceso que precede la conclusión es fácilmente complendido.

Nadie discute acerca de una pintura antes de que haya sido pintada. Pero la arquitectura y la planificación urbana siempre son discutidas antes de realizarse. La gente discute la posibilidad de un nuevo puente, una nueva carretera, un nuevo aeropuerto antes de que se construyan. Uno de los numerosos permisos a ser obtenidos en varias agencias de gobierno, además de los 25 rancheros en California y los 459 granjeros de campos de arroz Ibaraki, fue el libro de 200 páginas del Ministerio de Construcción en Tokyo. Ellos trabajaron por un año, junto con nuestros ingenieros, y finalmente otorgarnos un permiso para construir 1340 casas (lienzos con formas creando asentamientos como casas sin muros). Nuestros proyectos son conversados y discutidos, en sus pros y contras, antes de ser realizados. Para entender nuestro trabajo se debe tomar en cuenta lo inherente de cada proyecto. Sin embargo hay una diferencia importante entre nuestros proyectos de arte y la arquitectura o planificación urbana usuales, nosotros somos nuestros propios auspiciadores y pagamos nuestros trabajos de arte con nuestro propio dinero, jamás aceptamos concesiones o auspicios.”

Tokujin Yoshioka 

El artista siempre estudia cuidadosamente el espacio para crear resonancia estre su trabajo y el lugar. Para él, es la mano del artista, y no la máquina, la que juega el rol principal a la hora de hacer arte. Admite tener un gran respeto por Duchamp. Pero también  dice que para él los trabajos de Duchamp no siempre son visualmente satisfactorios. Piensa que un buen artista debiera preocuparse sobretodo del aspecto visual de una obra. Un buen trabajo en términos de forma y color debería ser estimulante a nivel visual e intelectual. Las pinturas de Matisse por ejemplo, le ofrecen al espectador una fiesta visual, mientras que las pinturas de Picasso tienen un sentido del volumen asombroso.

Anish Kapoor, que formó parte de la llamada Nueva Escultura Británica, utiliza en sus grabados y al igual que en su obra escultórica, el color intenso aportado por pigmentos aplicados directamente. La utilización de este material se ha convertido en una seña de identidad dentro de la producción del artista. Después de su intensa formación en el Reino Unido, Kapoor realizó en 1979 un largo viaje a su país de origen. En esta visita recuperó el fuerte sentido ritual de la vida cotidiana en la India, la constante presencia de fastuosos lugares de culto y, como parte insoslayable de las celebraciones religiosas, los coloridos pigmentos que forman centelleantes pilas a la entrada de los templos. Kapoor conjuga en sus grabados estos elementos de origen orgánico con formas arquitectónicas, figuras geométricas básicas junto a otras más enigmáticas y no desprovistas de cierto misticismo. De esta mezcla resulta un mundo en clave propia que no rehuye una filosofía del arte de gran complejidad. Para Kapoor, el uso del color y los pigmentos en sus grabados implica la unión de lo intangible con lo sensual desde una perspectiva que analiza el resultado estético como parte de una cosmovisión personal:

“Lo que estoy haciendo parece encontrarse en la oscuridad, o acerca de la oscuridad. La visión platónica de la civilización moviéndose desde la oscuridad a la luz no parece ser mi aventura particular. Parezco estar moviéndome desde la luz hacia la oscuridad”