Synesthesia

BRENT BONACORSO Galería

Nam es un colectivo gráfico japonés establecido por Takayuki Nakasawa (diseñador gráfico) y Hiroshi Manaka (fotógrafo). Actualmente, cerca de 10 artistas de distintas áreas pertenecen a Nam. Están buscando posibilidades en el mundo de las artes visuales, y explorando basándose en su tema “Una fantasía en la vida”

Daikichi Amano realiza todo tipo de películas y fotografías de chicas con insectos, ranas, peces y pulpos, que después son comidos para evitar desperdiciarlos de manera cruel.

“LucyandBart es una colaboración entre Lucy McRae y Bart Hess, descrita como una mezcla instintiva entre moda, aquitectura, performance y cuerpo. Comparten una fascinación con la manipulación genética y la expresión de la belleza. Inconscientemente su trabajo toca estos temas, pero no es su intención comunicar esto.

Ellos trabajan de manera creativa e ilimitada creando formas humanas futuras, ciegamente descubriendo maneras artesanales de generar prótesis para realzar el cuerpo humano.”

vía Derrière le Miroir

[youtube width="500" height="400"]http://www.youtube.com/watch?v=z0nAhIX8dnA&eurl=http://www.urbancamouflage.de/video.htm[/youtube]

[youtube width="500" height="400"]http://www.youtube.com/watch?v=RH2XsAkjYw0&eurl=http://www.urbancamouflage.de/video.htm[/youtube]

URBAN CAMOUFLAGE

]]> http://www.ritnit.com/2009/03/05/urban-camouflage/feed/ 1 http://www.ritnit.com/2009/02/12/hiroshi-sugimoto-tokyo-japon-1948-vive-y-trabaja-en-nueva-york/ http://www.ritnit.com/2009/02/12/hiroshi-sugimoto-tokyo-japon-1948-vive-y-trabaja-en-nueva-york/#comments Thu, 12 Feb 2009 22:04:41 +0000 xaviera http://www.ritnit.com/?p=885

Hiroshi Sugimoto se interesó tempranamente en el arte. La lectura de los escritos de André Breton lo llevó al descubrimiento del Surrealismo, el Dada y a una gran conexión con el trabajo y filosofía de Marcel Duchamp. La idea central en el trabajo de Sugimoto es que la fotografía es una máquina de tiempo, un método de preservar y ponerle imágenes a la memoria y a la temporalidad. Este tema es el principio que define series tales como “Dioramas” (1976-); “Theaters” (1978-); y “Seascapes” (1980-). Sugimoto ve con el ojo de un escultor, pintor, arquitecto y filósofo. Usa su cámara de múltiples maneras para crear imágenes que parecen llegar a la esencia de sus sujetos, sean arquitectónicos, escultóricos, pictóricos o naturales.  Le da un enorme valor a la manualidad, imprimiendo sus fotografías con meticulosidad y un entendimiento real de los matices de la realización de copias en gelatina de plata y su potencial de riqueza tonal en su infinita palera de negros, blancos y grises.

¿Cómo define la violencia en su obra?

PM. Mi trabajo no es una manifestación violenta. Trata sobre una violencia ficticia, del tipo que se puede ver en las películas. Empleo los mismos trucos, por ejemplo, las prótesis de plástico o una mano artificial. Uno de los personajes que aparecen en mis actuaciones, Big Robert, posee unas manos enormes. Al mismo tiempo, yo introduzco la mía en su interior para manejarlo. Lo golpeo con un movimiento convulso y repetitivo que produce un efecto hipnótico, durante el que sus dedos de látex se llegan a romper. Por un momento, el público se asusta. Puede que me haya cortado la mano. Es entonces cuando surge la duda. El público no sabe si reírse o asustarse ante la brutalidad de los golpes. Se ríen del chiste, de la enorme mano protésica, de la sangre artificial. Pero, al mismo tiempo, hay un elemento brutal y les incomoda que les haga gracia. Mi trabajo consiste en una especie de brutalidad virtual, ficticia.

Su trabajo también evoca la violencia social…

PM.Sí. Muchas de mis obras tratan sobre la violencia familiar, el abuso, la opresión y la dominación. La más frecuente es la relacionada con los niños. Sin embargo, no ilustro literalmente estos temas en mi trabajo, sino que, más bien, son asuntos que se evocan de un modo indirecto. Pero en sus actuaciones a menudo utiliza su propio cuerpo como un objeto. Hacia finales de los años 70, estaba más interesado en lo específico. Mis performances se orientaban hacia la realidad; después me interesé por la confusión entre la realidad y la ilusión. Comprendí que la necesidad de generar violencia, la necesidad de la violencia física, no correspondía a una realización específica. Me fui interesando cada vez más en representarla. Esa es la razón de que use ketchup. Lo utilizo como si fuese sangre y como símbolo de nuestra sociedad de consumo. También empleo sangre de verdad. Lo más interesante fue darme cuenta de que la sangre podía ser real o artificial de manera simultánea y el efecto era el mismo.

Un cuerpo maltratado, odiado, es, a veces, su tema central…

PM.Utilizo el cuerpo como un receptáculo de los temores, la obsesión y el conflicto que se genera en nuestra sociedad, aunque no siempre poseo el control total durante una performance. Los elementos pueden interactuar entre sí y permitir que afloren o no diferentes emociones. Lo único que hago es establecer la situación, después permito que suceda lo inesperado, aquel fenómeno mental o físico que provoca una reacción con el cuerpo mismo.

¿Se considera usted una especie de salvador gracias a su trabajo?

P.M.No, nunca he pensado que mi arte pueda sanar a alguien o a algo: ni a mí mismo ni a la Humanidad ni a nuestra sociedad. Quizás se trate de una denuncia, pero desconozco hasta qué punto mi arte afecta al público. No sé lo que gana o pierde con él.

Emplea diferentes técnicas y gran variedad de materiales. ¿Desea crear una confusión de géneros? Los dibujos y esculturas siempre guardan relación con la performance. Cada soporte, cada material, está entrelazado con otro. A menudo, el mundo del arte aparece compartimentado. A un lado están los pintores y, al otro, los escultores. Yo rompo esos compartimentos. También utilizo los objetos, los juguetes, la publicidad, los productos de la televisión y los subvierto. Siempre existe una crítica implícita, otra utilidad que extraer de ellos. De hecho, yo mismo fabrico los objetos. Los juguetes y las marionetas no siempre son completamente industriales. En todos los elementos interviene la imitación para criticar nuestra sociedad, mezclada con mis obsesiones. Es una manera de reinventar nuestro mundo. ¿Intenta ofender y escandalizar deliberadamente al público?

PM.No me interesa la simple idea de escandalizar. Intento crear imágenes que resulten evocadoras. Para que puedan existir, el público debe mostrar preocupación. Pero sí, tengo un cierto problema con el término escandalizar. Cuando planeo alguna de mis representaciones, jamás pienso en que puedan escandalizar a la gente. Hay ocasiones en que sucede lo contrario. Me escandaliza que algunas personas se escandalicen. Cuando menciono algún tabú, como el arquetipo del padre y el bestialismo en Garden (Jardín), donde una figura con los pantalones bajados se masturba contra un árbol, no intento romper el tabú, sino resaltarlo. Existen distintos niveles de reacción en función del individuo. A algunos les ofende y a otros les hace reflexionar. Las piezas no funcionan de la misma manera, aunque estoy menos interesado en la gente que pueda sentirse escandalizada y más en aquellos que estén dispuestos a pensar.¿Intenta ofender y escan

Su trabajo, que es muy independiente y siempre resulta rebelde, se ha convertido en un instrumento de intercambio y posee un valor de mercado. ¿Cómo resulta vivir con semejante paradoja?

P.M Para mí supone un cierto dilema. Mi trabajo cuestiona el abuso de poder, que a menudo tiene una conexión con el dinero. Ahora mis obras circulan entre los ricos y entre las instituciones dominadas por ellos. Irónico. Sin embargo, comparado con una producción cinematográfica, mi arte no cuesta tanto. ¿Que si me siento a gusto vendiendo mis creaciones a los millonarios? Eso depende de sus objetivos, de lo que hacen con su dinero y la manera en que lo obtienen. El tema no es nuevo. Los artistas, durante el Renacimiento, trabajaron para la Iglesia. La situación ahora resulta muy ambigua, aunque espero que la tecnología sea capaz de liberar la comunicación casi totalmente. Para el arte, Internet es una plataforma global que le otorga mayor poder.

Entrevista vía EL MUNDO

Sponsors:
cascos moto
cestas de navidad
estudiar turisme barcelona
Interdin
marcas
medicos en alicante
naranjas
psicologos barcelona
rituales de magia
tiendas de muebles barcelona

Todavía recuerdo la alegría que sentía  dibujando, pintando y contruyendo mi propio mundo cuando era niño. Era libre. Trato de recapturar ese sentimiento que tenía cuando hacía arte de niño y creer en la magia, jugar, soñar. Los niños ven cosas y sienten cosas que los adultos no.

Siendo adulto, hay muchas barreras que cruzar para lograr este estado mental creativo. Me siento constantemente desafiado por estas barreras. Es muy difícil salirse de las responsabilidades y entrar en un mundo de fantasía creativo .  Es difícil dejar de mirar el reloj y las cuentas. Es difícil no ahogarse en problemas de relaciones y en todos los pensamientos negativos que desinflan nuestra motivación para crear. Si tienes la fuerza para superar todas esas cosas y confiar en tu corazón, la creatividad puede ser milagrosa. Te puede transportar hacia otra existencia.

Hay dos partes muy diferentes en el cerebro. Está el lado lógico y el lado creativo. Para hacer arte debes dejar de pensar de manera lineal. Tienes que traer a la vida esa parte de tu cerebro que se asombra místicamente con la vida y la naturaleza. Hay una parte de tu alma que puede quedarse horas admirando los delicados colores y formas de un viejo esqueleto de mapache. Tienes que encontrar las cosas específicas que dejan salir tu espíritu. Puede ser levantarse al atardecer a explorar el mercado de pulgas en busca de algún tesoro. Tal vez encender incienso y escuchar música que te avergonzaría si alguien supiera, y asombrarse con la alquimia, la astrología y los secretos del universo. Es la parte de tu espíritu que aún se siente como un niño, que se sobrecoge, se inspira y se fascina con el mundo.

Mi objetivo en arte es olvidarme del pensamiento literal consciente y tratar de dejar a mi inconsciente deshinibido hacer mi arte. Puedo sentir cuando esto funciona. He escuchado a muchos artistas describir el mismo sentimiento. Algunos piensan que es la mano de Dios que los utiliza como instrumento de creación. Algunos lo describen como una fuerza creativa energizante que impregna toda la naturaleza creando a través de ellos. Es como ser ayudado por algún tipo de fuerza desconocida y misteriosa, Anima Mundi, el Espíritu del Universo.

Debes confiar en tu inconsciente y las fuentes desconocidas que puede hacer explotar en su interior. Hay tanto que hacer para nuestras mentes. Millones de imágenes y pensamientos girando en circulos. Si todos estuvieran justo en frente de tu pensamiento consciente tu cabeza explotaría. Mi subconsciente misteriosamente ordena este océano de pensamientos e imágenes y de alguna manera sintetiza piezas de aquí y de allá y hace pinturas. Son un producto exlusivo de mi mente única. Solamente hay uno de cada uno de nosotros y nuestras visiones son el producto especial de nuestras experiencias y pensamientos únicos y especiales.

Me ahogo en ciertas imágenes e íconos con un instinto fuerte. Siento que tengo que pintar ciertas cosas. Trato de no cuestionarme eso. Puedo obtener tanta inspiración de una pintura clásica de Jacques-Louis David como de una portada de un libro de comic de Daniel Clowes. Intento no juzgar si una es más legítima que la otra. La mirada perpleja de una chica Keane puede proveer tanta inspiración como la mirada penetrante de un retrato de Rembrandt.

Encuentro mucho más fácil ser creativamente libre de noche. El día es para dormir. La noche es el mejor momento para hacer arte. Mientras más tarde en la noche, más lejos puedes ir hacia otro mundo. Hace algunos años mientras trabajaba muy tarde en la noche, un olor particular a nueces en el aire quebró mi concentración. Estaba muy silencioso. Una brisa extraña cruzó suavemente mi estudio. De pronto me di cuenta de que había algo en mi hombro. Sorpresivamente, no estaba asustado de encontrar un mini Abraham Lincoln sentado ahí en mi hombro. Nos miramos el uno al otro por un momento. Después susurró muy delicadamente en mi oído “pinta carne”

– Mark Ryden, 2001

«Entiendo la imagen necesaria.
No entiendo la fotografía.

Instrucciones:

La idea es todo.
La imagen existe en relación a la idea.

La belleza es inútil.
Es infinitamente deseada y completamente inútil.
Cuando sea necesario – explote la belleza – para darle a la imagen lo que es necesario.

La composición es una estupidez.
Cuando sea necesario– explote la composición – para atrapar la mirada del espetador en la idea.

La imagen debe vivir.
Debe haber vida más allá de las problemáticas de la imagen en sí misma.

La imagen más inspiradora que se ha hecho es la de Nauman en su fracaso intentando levitar en el estudio. Todo tiene que ver con con la paradoja crucial de la intención del artista. Esto revela que el inherente fracaso de todas las imágenes es esencial al proceso y que las imágenes que resultan de este nunca completan la idea necesaria.

~ Rosemarie Laing.