Entrevista

Art 21

Texto

HABITABILIDAD
Se designa la exposición de Yennyferth Becerra como “Habitabilidad” mediante el verbo, es decir, la acción que alude a un lugar que puede habitarse. En este caso la sala de exposición es homologable al espacio que habita temporalmente el artista.
Becerra desarrolla operaciones constructivas que guardan relación con el símil de la vivienda. La obra como vivienda ahora significa la prospección del lugar de exposición. Más allá de la literalidad son sus referencias simbólicas, de ahí que el texto del artista arma una línea de horizonte que enuncia “yo no tengo mar”, que la artista reitera en el soporte con el que carga los materiales de procedencia.Con ello quiero indicar el fondo de obra de Becerra el cual, parte de sus procedimientos constructivos tienen que ver con operaciones de recolección e intercambio. Aquí la ropaarma una especie de muro de contención de emergencia similar a los sitemas para evitar las inundaciones ropa que ha sido utilizada en obras anteriores con otras connotaciones como en “se cambia para llenar vacíos”, con la que reproduce condiciones de cobijo mínimo de habitabilidad según los lugares en quue expone.
También el procedimiento de obra de Yennyferth Becerra es homologable al del etnógrafo que se interroga sobre el lugar. La frágil línea de horizonte guarda relación con als condiciones del hábitat en el que se desarrolla la vida, aludiendo a un elemento de identidad local: la amezaza de la pérdida de visibilidad del mar en la “ciudad anfiteatro”, es decir, entre otras significaciones interroga sobre las edificaciones que en la actualidad se desarrollan en el borde costero.
En el espacio de exhibición, lo anterior remite a cómo se ocupa éste en tanto real o figurado, mediante actividades que refieren operaciones constructivas y materiales de obra, realizando modificaciones del lugar de exposición en términos de presencia y ausencia de elementos que se asocian al exetrior, a esa especie de inconsciente de pérdida de la ciudad la pieza que falta.
El lugar también remite a la hogaridad, real e imaginaria, a modo de ejemplo, en otra escala recuerda una obra anterior que citaba la naturaleza muerta o, más bien, lo hogareño como definiciones de Georges Perec.
Otro artista, Jurgen Partenheimer, escribió sobre el lugar bien o mal iluminado siguiendo la metáfora foucoultiana que se ocupa para desarrollar una obra. En Becerra ello se metaforiza en la sucesión de un sistema de iluminación precario que en la cablería recuerda la filigrana de su obra precedente, la que ahora es citada en la simunlación de un dibujo con la que replica de partes de las columnas del espacio de exhibición desmontando también la memoria de su obra.
Alberto Madrid

Galería Puntángeles, O’Higgins 1270. Plaza Cívica. Valparaíso.

Kara Walker es conocida por su investigación en torno a la cruda relación entre raza,  género y sexualidad, representada con siluetas a tamaño real, aludiendo a la brutal y en ocasiones reprimida historia de las relaciones raciales americanas.

La impresión de impersonalidad y de objetividad son los motores principales del trabajo de Daniel Buren . Su obra se caracteriza por el empleo sistemático del mismo material: bandas verticales de tela o papel, de 8,7 cm de ancho, que aplica sobre soporte o deja libre. Utiliza estas bandas como “herramienta visual”, intentando subrayar una característica del espacio o una contradicción ideológica. Trabaja “in situ” y al final de sus presentaciones el material se destruye.

Columnas de Buren, Palais-Royal, París, Francia (N 48°51′-E 2°21′).

En 1986, Daniel Buren realizó una escultura de 3.000 m² en el patio de honor del Palais-Royal. Las «columnas de Buren» dieron origen a una violenta polémica sobre la integración del arte contemporáneo en el patrimonio histórico. Considerado durante mucho tiempo como el corazón de París, el Palais-Royal fue construido en 1635 por el arquitecto Jacques Lemercier, a iniciativa del cardenal Richelieu, para expresar la creciente centralización del poder real. Del edificio original —llamado entonces Palais-Cardinal (palacio del Cardenal)— sólo queda la «galerie des Proues». La parte fundamental de la actual edificación se remonta a la Restauración. La arquitectura del Palais-Royal, reformada en varias ocasiones, resume varios siglos de historia del arte. Los numerosos dignatarios que lo ocuparon en el curso del tiempo dejaron en su mayoría alguna huella estética que materializaba su poder político. Así pues, al confiar a Daniel Buren el acondicionamiento del patio de honor del Palais-Royal, el ministro de Cultura francés se inscribía, de hecho, en una antigua tradición política y arquitectónica. A unos pasos de aquí, François Mitterrand hizo algo parecido con la pirámide de Pei del patio del Louvre.

Gordon Matta-Clark nació en la ciudad de Nueva York en Marzo de 1943 y murió en 1978. Era hijo de Roberto Matta. Formado como Arquitecto, Matta-Clark extendió sus investigaciones deconstructivistas de la arquitectura y el espacio hacia la performance, el dibujo, la escultura, la fotografía, el video y el film.

Los Artistas Christo y Jeanne-Claude nacieron ambos a la misma hora el 13 de Junio de 1935, él en Gabrovo, Bulgaria como Christo Javacheff y ella en Casablanca, Marruecos como Jeanne-Claude Denat de Guillebon. Christo estudió el la Fine Arts Academy de Sofia entre 1953-56 y escapó de Praga al Este a principios de 1957. Jeanne-Claude fue educada en Francia y Suiza, y obtuvo grados académicos en filosofía y Latin de la University of Tunis. Se conocieron en Paris en 1958 cuando le encargaron a Christo un retrato de la madre de Jeanne-Claude. En 1964, ellos y su hijo a Cyril (hoy un connotado poeta, nacido en 1960) se mudaron a la ciudad de New York City, donde desde entonces viven y trabajan.

“Los trabajos temporales, ambientales y de gran escala (tanto rurales como urbanos) tienen elementos provenientes de la pintura, escultura, arquitectura y planificación urbana.
Surrounded Islands o Islas Rodeadas, Biscayne Bay, Greater Miami, Florida,1980-83. podría ser visto como enormes pinturas planas (lienzos con formas).
The Pont Neuf Wrapped o El Pont Neuf Envuelto , Paris, 1975-85. podría ser visto como una enorme escultura, en el sentido tradicional de drapeados y pliegues, sin embargo el puente, envuelto, remite necesariamente a un puente, y en ese sentido a una pieza de arquitectura. Los autos pasaban sobre el , los barcos por debajo, y el público cruzaba el puente, caminando sobre la tela.
The Umbrellas, o Los Paraguas Japan-USA, 1984-91. tiene que ver con planificación urbana. 3,100 paraguas, cada uno de dos pisos de alto, 59.3 metros cuadrados, deplegados en un radio total de 49 Km. en un ancho de 4 Km. a lo largo de calles y carreteras, adaycentes a establos, templos, iglesias, estaciones de servicio, colegios, habitaciones y ganado. Una vez que el proyecto de arte ha sido entendido como lo que realmente es, entonces el proceso que precede la conclusión es fácilmente complendido.

Nadie discute acerca de una pintura antes de que haya sido pintada. Pero la arquitectura y la planificación urbana siempre son discutidas antes de realizarse. La gente discute la posibilidad de un nuevo puente, una nueva carretera, un nuevo aeropuerto antes de que se construyan. Uno de los numerosos permisos a ser obtenidos en varias agencias de gobierno, además de los 25 rancheros en California y los 459 granjeros de campos de arroz Ibaraki, fue el libro de 200 páginas del Ministerio de Construcción en Tokyo. Ellos trabajaron por un año, junto con nuestros ingenieros, y finalmente otorgarnos un permiso para construir 1340 casas (lienzos con formas creando asentamientos como casas sin muros). Nuestros proyectos son conversados y discutidos, en sus pros y contras, antes de ser realizados. Para entender nuestro trabajo se debe tomar en cuenta lo inherente de cada proyecto. Sin embargo hay una diferencia importante entre nuestros proyectos de arte y la arquitectura o planificación urbana usuales, nosotros somos nuestros propios auspiciadores y pagamos nuestros trabajos de arte con nuestro propio dinero, jamás aceptamos concesiones o auspicios.”

Tokujin Yoshioka 

Zena Holloway es “la” fotógrafa submarina de Inglaterra. Sus imágenes son potentes, instintivas y guiadas por un gran entendimiento de su medio. Una remarcable combinación de los aspectos más técnicos de la fotografía submarina con una impresionante dirección creativa que da como resultado una extraordinaria imaginería mágica.

Trabajando en el mar desde muy joven con fotografía y film, Zena es completamente autodidacta. Ella ha llevado la fotografía submarina a nuevos límites. A los treinta y tres años de edad Zena es única y verdaderamente talentosa.