RitNit » cultura

DIna Goldstein, Fallen Princesses

xaviera — Mon, 10 Aug 2009 01:07:43 +0000

“Estos trabajos ponen a personajes de cuentos de hadas en escenarios modernos. En todas las imágenes la princesa está situada en un ambiente que articula su conflicto. El “y vivieron felices para siempre” es reemplazado por un desenlace realista.”

Dina Goldstein

Prometeus – La Revolucion de los Medios

xaviera — Fri, 19 Jun 2009 19:02:56 +0000

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Urban Camouflage

xaviera — Thu, 05 Mar 2009 17:33:01 +0000

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URBAN CAMOUFLAGE

SUPERFLEX

xaviera — Tue, 10 Feb 2009 15:11:39 +0000

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SUPERFLEX

Masayuki Yoshinaga (Osaka, Japón, 1964)

xaviera — Wed, 28 Jan 2009 13:38:45 +0000

Por más de una decada, Masayuki Yoshinaga ha estado fotografiando los diferentes grupos organizados en Japón. A menudo trabajando por encargo para revistas de culto como Burst, ha retratado bandas de motociclistas, jóvenes miembros de los yakuzas de Tokyo, y la moda callejera de los adolescentes de Tokyo y Osaka. Vive y trabaja en Tokyo.

Paul Mc Carthy (Utah, Estados Unidos, 1945)

xaviera — Sat, 17 Jan 2009 00:20:58 +0000

¿Cómo define la violencia en su obra?

PM. Mi trabajo no es una manifestación violenta. Trata sobre una violencia ficticia, del tipo que se puede ver en las películas. Empleo los mismos trucos, por ejemplo, las prótesis de plástico o una mano artificial. Uno de los personajes que aparecen en mis actuaciones, Big Robert, posee unas manos enormes. Al mismo tiempo, yo introduzco la mía en su interior para manejarlo. Lo golpeo con un movimiento convulso y repetitivo que produce un efecto hipnótico, durante el que sus dedos de látex se llegan a romper. Por un momento, el público se asusta. Puede que me haya cortado la mano. Es entonces cuando surge la duda. El público no sabe si reírse o asustarse ante la brutalidad de los golpes. Se ríen del chiste, de la enorme mano protésica, de la sangre artificial. Pero, al mismo tiempo, hay un elemento brutal y les incomoda que les haga gracia. Mi trabajo consiste en una especie de brutalidad virtual, ficticia.

Su trabajo también evoca la violencia social…

PM.Sí. Muchas de mis obras tratan sobre la violencia familiar, el abuso, la opresión y la dominación. La más frecuente es la relacionada con los niños. Sin embargo, no ilustro literalmente estos temas en mi trabajo, sino que, más bien, son asuntos que se evocan de un modo indirecto. Pero en sus actuaciones a menudo utiliza su propio cuerpo como un objeto. Hacia finales de los años 70, estaba más interesado en lo específico. Mis performances se orientaban hacia la realidad; después me interesé por la confusión entre la realidad y la ilusión. Comprendí que la necesidad de generar violencia, la necesidad de la violencia física, no correspondía a una realización específica. Me fui interesando cada vez más en representarla. Esa es la razón de que use ketchup. Lo utilizo como si fuese sangre y como símbolo de nuestra sociedad de consumo. También empleo sangre de verdad. Lo más interesante fue darme cuenta de que la sangre podía ser real o artificial de manera simultánea y el efecto era el mismo.

Un cuerpo maltratado, odiado, es, a veces, su tema central…

PM.Utilizo el cuerpo como un receptáculo de los temores, la obsesión y el conflicto que se genera en nuestra sociedad, aunque no siempre poseo el control total durante una performance. Los elementos pueden interactuar entre sí y permitir que afloren o no diferentes emociones. Lo único que hago es establecer la situación, después permito que suceda lo inesperado, aquel fenómeno mental o físico que provoca una reacción con el cuerpo mismo.

¿Se considera usted una especie de salvador gracias a su trabajo?

P.M.No, nunca he pensado que mi arte pueda sanar a alguien o a algo: ni a mí mismo ni a la Humanidad ni a nuestra sociedad. Quizás se trate de una denuncia, pero desconozco hasta qué punto mi arte afecta al público. No sé lo que gana o pierde con él.

Emplea diferentes técnicas y gran variedad de materiales. ¿Desea crear una confusión de géneros? Los dibujos y esculturas siempre guardan relación con la performance. Cada soporte, cada material, está entrelazado con otro. A menudo, el mundo del arte aparece compartimentado. A un lado están los pintores y, al otro, los escultores. Yo rompo esos compartimentos. También utilizo los objetos, los juguetes, la publicidad, los productos de la televisión y los subvierto. Siempre existe una crítica implícita, otra utilidad que extraer de ellos. De hecho, yo mismo fabrico los objetos. Los juguetes y las marionetas no siempre son completamente industriales. En todos los elementos interviene la imitación para criticar nuestra sociedad, mezclada con mis obsesiones. Es una manera de reinventar nuestro mundo. ¿Intenta ofender y escandalizar deliberadamente al público?

PM.No me interesa la simple idea de escandalizar. Intento crear imágenes que resulten evocadoras. Para que puedan existir, el público debe mostrar preocupación. Pero sí, tengo un cierto problema con el término escandalizar. Cuando planeo alguna de mis representaciones, jamás pienso en que puedan escandalizar a la gente. Hay ocasiones en que sucede lo contrario. Me escandaliza que algunas personas se escandalicen. Cuando menciono algún tabú, como el arquetipo del padre y el bestialismo en Garden (Jardín), donde una figura con los pantalones bajados se masturba contra un árbol, no intento romper el tabú, sino resaltarlo. Existen distintos niveles de reacción en función del individuo. A algunos les ofende y a otros les hace reflexionar. Las piezas no funcionan de la misma manera, aunque estoy menos interesado en la gente que pueda sentirse escandalizada y más en aquellos que estén dispuestos a pensar.¿Intenta ofender y escan

Su trabajo, que es muy independiente y siempre resulta rebelde, se ha convertido en un instrumento de intercambio y posee un valor de mercado. ¿Cómo resulta vivir con semejante paradoja?

P.M Para mí supone un cierto dilema. Mi trabajo cuestiona el abuso de poder, que a menudo tiene una conexión con el dinero. Ahora mis obras circulan entre los ricos y entre las instituciones dominadas por ellos. Irónico. Sin embargo, comparado con una producción cinematográfica, mi arte no cuesta tanto. ¿Que si me siento a gusto vendiendo mis creaciones a los millonarios? Eso depende de sus objetivos, de lo que hacen con su dinero y la manera en que lo obtienen. El tema no es nuevo. Los artistas, durante el Renacimiento, trabajaron para la Iglesia. La situación ahora resulta muy ambigua, aunque espero que la tecnología sea capaz de liberar la comunicación casi totalmente. Para el arte, Internet es una plataforma global que le otorga mayor poder.

Entrevista vía EL MUNDO

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Maurizio Cattelan

xaviera — Fri, 26 Dec 2008 02:15:25 +0000

Maurizio Cattelan es un artista italiano. Esencialmente autodidacta, su obra se mueve entre la escultura y la performance y tiene en el sentido del humor y la trasgresión de los símbolos establecidos sus principales armas de expresión. En su individual del MOMA de Nueva York, en 1998, hizo que un actor vestido de Picasso, provisto de una gran careta que caricaturizaba el rostro del pintor, saludara a los visitantes al puro estilo de Disney World; un modo de llamar la atención sobre la inercia mercantil y espectacular del arte contemporáneo. Otra de sus intervenciones más conocidas tuvo lugar en 1999 en la galería Anthony d´Offay, donde instaló una réplica del monumento Mail Lin de Washington, en la que sustituyó los nombres de las víctimas de la guerra de Vietnam por las derrotas de la selección inglesa de fútbol; corrosiva broma sobre la gravedad con la que se trata el mundo del fútbol, sobre la proporción y la comparación, sobre las diferentes memorias nacionales.

Texto vía masdearte.com

THEFASHIONRAMONE a.k.a TFR

xaviera — Wed, 10 Dec 2008 22:17:52 +0000

Somos un espacio de LIBERTAD, FRESCURA Y ESCAPISMO. desde esta perspectiva, somos uno de los POCOS MEDIOS ORIGINALES -y definitivamente el que tiene la opinion MAS TENAZ y CRITICA- relacionado al ‘MUNDO DE LA MODA’. si, mundo al que pertenecemos, pero asimismo mundo que aborrecemos por representar el lado mas visible del pseudobienestar [CONSUMISMO], que tras CORTINAS DE HUMO glamourosas [generalmente protagonizadas por 'MODELOS' y 'ARTISTAS POP'] y escudandose en las llamadas ‘TENDENCIAS’, propala los ESTEREOTIPOS mas recalcitrantes del CAPITALISMO y su dizque GLOBALIZACION… en THEFASHIONRAMONE [a.k.a TFR] encontraras, pues, la mejor alternativa en diseño de moda y contracultura!!!!!! IT-S LOVE!

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Artfutura

xaviera — Mon, 03 Nov 2008 17:09:17 +0000

Desde Enero de 1990, ArtFutura, el festival de Cultura y Creatividad Digital de referencia en España, explora los proyectos y las ideas más importantes surgidas en el panorama internacional del new media, el diseño de interacción, los videojuegos y la animación digital.

Sus actividades incluyen conferencias, talleres, instalaciones interactivas, exposiciones y actuaciones en directo.

Entre sus participantes de ediciones pasadas cabe destacar a William Gibson, Theo Jansen, Toshio Iwai, Laurie Anderson, Hiroshi Ishii, Paul Friedlander, Moebius, David Byrne, Masaya Matsuura, Howard Rheingold, Timothy Leary, Tomato, Tetsuya Mizuguchi, Rebecca Allen, Ryota Kuwakubo, Mariscal, Orlan, Stelarc, Yoichiro Kawaguchi, Brian Eno, Karl Sims, Marcel.lí Antúnez, Arthur Kroker, Xeni Jardin y otros.

Así como organizaciones y compañías tales como Ars Electronica, Blast Theory, UVA, Pixar, IL&M, Weta Digital, Sony Pictures Imageworks, Digital Domain, SAT Montreal, Amorphic Robot Works o el Media Lab de Boston.

Por otra parte, su división GaleríaFutura promueve los aspectos más expositivos de la nueva creatividad digital. Entre sus proyectos está la exposición “MáquinasyAlmas” presentada en el Museo Nacional Reina Sofía en el año 2008.

A lo largo de estos años ArtFutura ha tratado de mostrar que a comienzos del nuevo milenio, arte y ciencia discurren más que nunca por caminos paralelos. Ya no es posible entender el arte desligado de los nuevos media, internet y la tecnología digital.

Más información en: Arte + Pensamiento

banquete_nodos y redes

xaviera — Mon, 18 Aug 2008 20:40:25 +0000

Desde principios de los años 90 el proyecto banquete_ evoluciona como una red internacional de conversaciones y acciones entre artistas, científicos, tecnólogos y otros productores de conocimiento. Su objetivo es explorar las convergencias entre los sistemas biológicos, sociales, tecnológicos y culturales, e indagar en un enfoque sistémico y transdisciplinar que cuestione un modelo imperante de pensamiento –antropocéntrico, lineal y dicotómico- cuyas consecuencias políticas, sociales, económicas, culturales y ecológicas apelan a un inaplazable cambio de sensibilidad, de mirada y de rumbo.

Para ello banquete_ ha reunido a antropólogos, artistas, arquitectos, biólogos, filósofos, economistas, neurocientíficos o sociólogos con el fin de reflexionar acerca de los patrones y procesos de transformación que rigen los flujos tangibles e intangibles de materia, energía e información. Con el tiempo, esta red ha vertebrado y consolidado un entorno de colaboración, constituido por distintos centros de investigación, producción y difusión artística y científica. La motivación común ha sido propiciar la interacción entre ciencias y humanidades, y entre éstas y la sociedad.

Por otra parte banquete_ rastrea el binomio arte-vida a la luz de los avances tecno-científicos y en relación con los lenguajes emergentes vinculados a la creación contemporánea. Su campo de investigación y expresión se ha ampliado desde el gen al cuerpo, de la mesa a la red, del espacio público local a la esfera mediática global.

banquete_ es un intento de generar un proceso de creación colectiva, capaz de articular elementos disociados y de combinar conocimientos, métodos y prácticas dispares. Surge del reto de idear y construir entre muchos un espacio de interacción ACTS (Arte, Ciencia, Tecnología, Sociedad) para investigar nuevas formas de creación y transferencia de conocimiento.

En definitiva, banquete_ es un espacio abierto, basado en una dinámica compleja que trata de superar la convencional compartimentación secuencial de los procesos de investigación, formación, producción y difusión cultural; un contexto para practicar un pensamiento transversal que explore la interacción entre los ecosistemas, la tecnosfera y los universos simbólicos que definen el imaginario de las sociedades contemporáneas.