ekeko es un proyecto de autogestión

ekeko desarrolla proyectos culturales

ekeko expone donde sea

ekeko cree en la donación de obras de arte

ekeko cree en dar y recibir

ekeko cree que el ekeko nos dará prosperidad y buenaventura

ekeko piensa que el arte no es un bien imposible de tener

ekeko va a exposiciones a tomar vino

ekeko cree en el trueque

ekeko es un proyecto romántico y utópico

ekeko cree que un buen proyecto es quemar alonso de córdova

ekeko cree que el arte debería estar en todas partes

ekeko está contra la monarquía del arte

ekeko cree en Bolívar

ekeko cree que estamos tan cerca y tan lejos a la vez

ekeko cree en la frase cliché “por amor al arte”

ekeko cree en la revolución y el suicidio

Jean-Michel Basquiat

Los Artistas Christo y Jeanne-Claude nacieron ambos a la misma hora el 13 de Junio de 1935, él en Gabrovo, Bulgaria como Christo Javacheff y ella en Casablanca, Marruecos como Jeanne-Claude Denat de Guillebon. Christo estudió el la Fine Arts Academy de Sofia entre 1953-56 y escapó de Praga al Este a principios de 1957. Jeanne-Claude fue educada en Francia y Suiza, y obtuvo grados académicos en filosofía y Latin de la University of Tunis. Se conocieron en Paris en 1958 cuando le encargaron a Christo un retrato de la madre de Jeanne-Claude. En 1964, ellos y su hijo a Cyril (hoy un connotado poeta, nacido en 1960) se mudaron a la ciudad de New York City, donde desde entonces viven y trabajan.

“Los trabajos temporales, ambientales y de gran escala (tanto rurales como urbanos) tienen elementos provenientes de la pintura, escultura, arquitectura y planificación urbana.
Surrounded Islands o Islas Rodeadas, Biscayne Bay, Greater Miami, Florida,1980-83. podría ser visto como enormes pinturas planas (lienzos con formas).
The Pont Neuf Wrapped o El Pont Neuf Envuelto , Paris, 1975-85. podría ser visto como una enorme escultura, en el sentido tradicional de drapeados y pliegues, sin embargo el puente, envuelto, remite necesariamente a un puente, y en ese sentido a una pieza de arquitectura. Los autos pasaban sobre el , los barcos por debajo, y el público cruzaba el puente, caminando sobre la tela.
The Umbrellas, o Los Paraguas Japan-USA, 1984-91. tiene que ver con planificación urbana. 3,100 paraguas, cada uno de dos pisos de alto, 59.3 metros cuadrados, deplegados en un radio total de 49 Km. en un ancho de 4 Km. a lo largo de calles y carreteras, adaycentes a establos, templos, iglesias, estaciones de servicio, colegios, habitaciones y ganado. Una vez que el proyecto de arte ha sido entendido como lo que realmente es, entonces el proceso que precede la conclusión es fácilmente complendido.

Nadie discute acerca de una pintura antes de que haya sido pintada. Pero la arquitectura y la planificación urbana siempre son discutidas antes de realizarse. La gente discute la posibilidad de un nuevo puente, una nueva carretera, un nuevo aeropuerto antes de que se construyan. Uno de los numerosos permisos a ser obtenidos en varias agencias de gobierno, además de los 25 rancheros en California y los 459 granjeros de campos de arroz Ibaraki, fue el libro de 200 páginas del Ministerio de Construcción en Tokyo. Ellos trabajaron por un año, junto con nuestros ingenieros, y finalmente otorgarnos un permiso para construir 1340 casas (lienzos con formas creando asentamientos como casas sin muros). Nuestros proyectos son conversados y discutidos, en sus pros y contras, antes de ser realizados. Para entender nuestro trabajo se debe tomar en cuenta lo inherente de cada proyecto. Sin embargo hay una diferencia importante entre nuestros proyectos de arte y la arquitectura o planificación urbana usuales, nosotros somos nuestros propios auspiciadores y pagamos nuestros trabajos de arte con nuestro propio dinero, jamás aceptamos concesiones o auspicios.”

Navarro creció en Chile durante la década de los 70-80, una época marcada por la violencia latente, la intimidación y la desinformación.
esto explica en parte la temática de sus obras.
De esta experiencia, Navarro conserva, como muchos de sus compatriotas, una sospecha acerca de la diferencia entre las apariencias y la verdad.
Nada sorprendente entonces, que sus obras luminosas denoten un interés por el poder y el doble sentido. Sus contornos potentemente luminosos ejercen la atracción propia de las luces de colores, soportes de mensajes atractivos y seductores, pero los objetos de Navarro  contienen a la vez algo de oscuridad y miedo.

Desde hace más de una década, Rirkrit Tiravanija produce happenings para que el público participe activamente en ellos. Son situaciones o ambientes que cuestionan los límites entre el artista y el espectador, el arte y las actividades cotidianas, dentro de la llamada “estética relacional”. Sirvió comida como arte en su primera exposición individual en 1990, ofreciendo al público una degustación de Pad Thai, un plato típico de Tailandia, el país de su familia. Trasladó el mismo concepto a sus exposiciones posteriores, en las que ha creado diferentes instalaciones que se transforman diariamente con los platos y utensilios usados. Pero no sólo comparte comida, también su propio hogar (que reconstruyó con contrachapado en un espacio expositivo y lo dejó abierto las veinticuatro horas del día para que la gente lo habitara) y sus viajes (que parten de su espíritu nómada). El arte de Tiravanija es gratuito. Sólo hace falta vivir la experiencia. De hecho, la esencia de sus obras reside en la colectividad, su interrelación, y en la casualidad. Hace arte sin hacer objetos, su fin es una denuncia contra la posesión y la acumulación.

Anish Kapoor, que formó parte de la llamada Nueva Escultura Británica, utiliza en sus grabados y al igual que en su obra escultórica, el color intenso aportado por pigmentos aplicados directamente. La utilización de este material se ha convertido en una seña de identidad dentro de la producción del artista. Después de su intensa formación en el Reino Unido, Kapoor realizó en 1979 un largo viaje a su país de origen. En esta visita recuperó el fuerte sentido ritual de la vida cotidiana en la India, la constante presencia de fastuosos lugares de culto y, como parte insoslayable de las celebraciones religiosas, los coloridos pigmentos que forman centelleantes pilas a la entrada de los templos. Kapoor conjuga en sus grabados estos elementos de origen orgánico con formas arquitectónicas, figuras geométricas básicas junto a otras más enigmáticas y no desprovistas de cierto misticismo. De esta mezcla resulta un mundo en clave propia que no rehuye una filosofía del arte de gran complejidad. Para Kapoor, el uso del color y los pigmentos en sus grabados implica la unión de lo intangible con lo sensual desde una perspectiva que analiza el resultado estético como parte de una cosmovisión personal:

“Lo que estoy haciendo parece encontrarse en la oscuridad, o acerca de la oscuridad. La visión platónica de la civilización moviéndose desde la oscuridad a la luz no parece ser mi aventura particular. Parezco estar moviéndome desde la luz hacia la oscuridad”